СТОЛЕТИЕ АР-ДЕКО

В 2025 г. отмечается столетие стиля ар-деко. Благодаря стилю и дизайну экстерьера и интерьера чего угодно, от крупных сооружений до небольших предметов, включая то, как выглядят люди (одежда, мода и украшения), ар-деко оказал влияние на здания (от небоскребов до кинотеатров), мосты, корабли, океанские лайнеры, поезда, автомобили, грузовики, автобусы, мебель и предметы повседневного обихода, включая радиоприемники и пылесосы. Жители Нью-Йорка могут видеть этот стиль рядом с собой: Крайслер-билдинг (один из символов Нью-Йорка), Эмпайр-стейт-билдинг на Пятой авеню, Рокфеллер-центр, статуя Атланта перед ним…

Ар-деко, сокращение от французского Arts décoratifs (букв. ’декоративное искусство’), – это стиль изобразительного искусства, архитектуры и дизайна товаров, который впервые появился в Париже в 1910-х годах (непосредственно перед Первой мировой войной) и процветал в США и Европе с 1920-х по начало 1930-х годов.

Ар-деко получил свое название после того, как в 1925 г. в Париже состоялась Международная выставка декоративного и промышленного искусства. Ар-деко берет свое начало в смелых геометрических формах венского Сецессиона и кубизма. С самого начала на него повлияли яркие цвета фовизма и Русского балета, а также экзотические стили искусства Китая, Японии, Индии, Персии, Древнего Египта и майя.

Декоративные идеи были заимствованы из искусства американских индейцев, египетского искусства и ранней классики, а также из природы. Характерными мотивами были обнаженные женские фигуры, животные, листва и солнечные лучи – всё в условных формах.

Зародившись в период с 1910 по 1914 г., ар-деко представлял собой взрыв красок, ярких и контрастных оттенков, часто с цветочными узорами, которые использовались в обивке мебели, коврах, ширмах, обоях и тканях.

Отличительными чертами стиля являются простые, четкие формы, часто с «обтекаемым» внешним видом; геометрический орнамент, который является геометрическим или стилизованным под изобразительные формы; а также необычно разнообразные, часто дорогостоящие материалы, которые часто включают в себя искусственные вещества (пластмассы, особенно бакелит, стекло и железобетон) в дополнение к натуральным (нефриту, серебру, слоновой кости, обсидиану, хрому и горному хрусталю). Предметы в стиле ар-деко редко производились массово. Характерные черты этого стиля отражали восхищение современностью машин и присущими им дизайнерскими качествами (например, относительной простотой, плоскостностью, симметрией и неизменным повторением элементов).

В период своего расцвета ар-деко олицетворял роскошь, гламур, изобилие и веру в социальный и технологический прогресс. В этом стиле использовались редкие и дорогие материалы, такие как эбеновое дерево и слоновая кость, а также изысканные изделия ручной работы. В изделиях ар-деко также появились новые материалы, такие как хромированное покрытие, нержавеющая сталь и пластик. В Нью-Йорке Эмпайр-стейт-билдинг, Крайслер-билдинг и другие здания 1920-х и 1930-х годов являются памятниками этого стиля. Самая большая концентрация зданий в стиле ар-деко в мире находится в Майами-Бич, Флорида.

В 1930-х годах, во время Великой депрессии, стиль ар-деко постепенно стал более сдержанным.

Впоследствии большинство зданий в стиле ар-деко были построены из железобетона, что обеспечивало большую свободу форм и меньшую потребность в укреплении опор и колонн. Перре также был первопроходцем в покрытии бетона керамической плиткой как для защиты, так и для украшения. Архитектор Ле Корбюзье впервые познакомился с железобетоном, работая чертежником в студии Перре.

Другими новыми технологиями, важными для ар-деко, были новые методы производства листового стекла, которое было дешевле и позволяло делать окна намного больше и прочнее, а также массовое производство алюминия, который использовался для строительства и оконных рам, а позже Корбюзье, Уоррен Макартур и другие – для изготовления легкой мебели.

С появлением крупномасштабного производства художники и дизайнеры стремились улучшить внешний вид функциональных предметов массового производства – от часов и пепельниц до автомобилей и зданий. Стремление к красоте во всех сферах жизни в стиле ар-деко напрямую отражало относительную новизну и массовое использование технологий машинного производства.

Ар-деко был прямым эстетическим и философским ответом на стиль ар-нуво и более широкое культурное явление – модернизм. Ар-нуво начал выходить из моды во время Первой мировой войны: тщательно проработанные детали, изящные узоры, зачастую дорогие материалы и методы производства этого стиля плохо подходят для сложного, нестабильного и всё более механизированного современного мира. В то время как движение «ар-нуво» черпало свои замысловатые, стилизованные формы из природы и превозносило достоинства ручной работы, эстетика ар-деко подчеркивала обтекаемость и гладкую геометрию машинного века.

В 1925 г. в стиле ар-деко сосуществовали две конкурирующие школы: традиционалисты, основавшие Общество художников-декораторов, в которое входили дизайнер мебели Эмиль-Жак Рульман, Жан Дюнан, скульптор Антуан Бурдель и дизайнер Поль Пуаре. Они сочетали современные формы с традиционным мастерством и дорогими материалами. С другой стороны были модернисты, которые всё больше отвергали прошлое и стремились к стилю, основанному на достижениях новых технологий, простоте, отсутствии декора, недорогих материалах и массовом производстве. В 1929 г. модернисты основали собственную организацию «Французский союз современных художников». В нее входили архитекторы Пьер Шаро, Франсис Журден, Робер Малле-Стивенс, Ле Корбюзье, а в СССР – Константин Мельников; ирландский дизайнер Эйлин Грей; французский дизайнер Соня Делоне; ювелиры Жорж Фуке и Жан Пуйфорка. Они яростно критиковали традиционный стиль ар-деко, который, по их словам, был создан только для богатых, и настаивали на том, что хорошо построенные здания должны быть доступны каждому и что форма должна соответствовать функции. Красота предмета или здания заключалась в том, насколько хорошо они выполняли свою функцию. Современные промышленные методы позволяли производить мебель и здания массово, а не вручную.

Дизайнер интерьеров в стиле ар-деко Поль Фоллот так защищал ар-деко: «Мы знаем, что человек никогда не довольствуется необходимым и что лишнее всегда нужно… Иначе нам пришлось бы отказаться от музыки, цветов и парфюмерии!»

Однако Ле Корбюзье был блестящим популяризатором модернистской архитектуры; он утверждал, что дом – это просто «машина для жизни», и неустанно продвигал идею о том, что ар-деко – это прошлое, а модернизм – это будущее. Идеи Ле Корбюзье постепенно перенимались архитектурными школами, а от эстетики ар-деко отказались.

Те же особенности, которые сделали ар-деко популярным в начале, – мастерство исполнения, дорогие материалы и орнаменты – привели к его упадку. Великая депрессия, начавшаяся в США в 1929 г. и вскоре охватившая Европу, значительно сократила число состоятельных клиентов, которые могли позволить себе мебель и предметы искусства. В условиях экономического кризиса немногие компании были готовы строить новые небоскребы. Даже фирма Ruhlmann перешла на серийное производство мебели, а не на изготовление индивидуальных предметов вручную. Последними зданиями, построенными в Париже в новом стиле, были Музей общественных работ Огюста Перре (ныне Французский экономический, социальный и экологический совет), Дворец Шайо Луи-Ипполита Буало, Жака Карлу и Леона Азема и Токийский дворец на Парижской международной выставке 1937 г.; их окна выходили на грандиозный павильон нацистской Германии, спроектированный Альбертом Шпеером, который стоял напротив не менее грандиозного павильона социалистического реализма СССР времен Сталина.

После Второй мировой войны доминирующим архитектурным стилем стал «интернациональный стиль», основоположниками которого были Ле Корбюзье и Мис ван дер Роэ. После войны в Майами-Бич было построено несколько отелей в стиле ар-деко, но в других местах этот стиль практически исчез, за исключением промышленного дизайна, где он продолжал использоваться в оформлении автомобилей и таких изделий, как музыкальные автоматы. В 1960-х годах он пережил скромное академическое возрождение, отчасти благодаря работам историков архитектуры, таких как Бевис Хиллиер. В 1970-х годах в США и Европе были предприняты усилия по сохранению лучших образцов архитектуры ар-деко, и многие здания были отреставрированы и перепрофилированы. Постмодернистская архитектура, которая впервые появилась в 1980-х годах, как и ар-деко, часто включает в себя чисто декоративные элементы.

Ар-деко продолжает вдохновлять дизайнеров и часто используется в современной моде и ювелирных изделиях.

Международная выставка 1925 г.

Стремясь вступить в новый век вместе с инновациями, а «не сдерживать себя ностальгией», группа французских художников-новаторов создала организацию под названием Societé des Artistes Décorateurs («Общество художников-декораторов»). В группу входили как известные деятели, такие как дизайнер и гравёр в стиле ар-нуво Эжен Грассе и архитектор в стиле ар-нуво Эктор Гимар, так и начинающие художники-декораторы и дизайнеры, такие как Пьер Шаро и Франсис Журден. Французское государство поддерживало и поощряло это направление художественной деятельности.

Одной из главных целей новой группы было бросить вызов иерархической структуре изобразительного искусства, которая ставила художников-декораторов в менее выгодное положение по сравнению с более классическими видами живописи и скульптуры. Как известно, Журден сказал: «Таким образом, мы решили вернуть декоративному искусству, с которым неосмотрительно обращались как с Золушкой или бедной родственницей, которая ела вместе со слугами, то важное, почти преобладающее место, которое оно занимало в прошлом, во все времена и во всех странах мира».

План крупной выставки, представляющей новый вид декоративного искусства, изначально был задуман на 1914 г., но его пришлось отложить до окончания Первой мировой войны, а затем по разным причинам перенести на 1925 г.

Международная выставка современного декоративного и промышленного искусства [Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes] состоялась в Париже с 28 апреля по 25 октября 1925 г. Ее официально спонсировло французское правительство. Она занимала территорию в 55 акров в Париже, простиравшуюся вдоль берегов Сены от Гран-Пале на правом берегу до Дома инвалидов на левом. Гран-Пале, самый большой зал в городе, был заполнен экспонатами декоративно-прикладного искусства из стран-участниц.

На выставке 1925 г. по всему периметру были размещены крупные скульптурные работы, павильоны были украшены скульптурными фризами, а несколько павильонов были посвящены небольшим скульптурным работам. В 1930-х годах большая группа выдающихся скульпторов создала работы для Международной выставки искусств и технологий в современной жизни 1937 года в Шайьо. Альфред Жаннио создал рельефные скульптуры на фасаде Токийского дворца. Музей современного искусства города Парижа и эспланада перед Дворцом Шайо, напротив Эйфелевой башни, были заполнены новыми скульптурами Шарля Мальфрэ, Генри Арнольда.

Скульптуры в стиле ар-деко почти всегда были сюжетными, как правило, изображали героические или аллегорические фигуры, связанные с назначением здания или помещения. Темы обычно выбирались заказчиками, а не художниками. Абстрактные скульптуры для украшения встречались крайне редко.

В выставке приняли участие 15.000 экспонентов из 20 разных стран, включая Австрию, Бельгию, Чехословакию, Данию, Великобританию, Италию, Японию, Нидерланды, Польшу, Испанию, Швецию и новый Советский Союз. Германия не была приглашена из-за напряженности в отношениях после войны; США, неверно поняв цель выставки, отказались от участия.

За семь месяцев выставку посетили 16 млн человек. Правила выставки требовали, чтобы все работы были выполнены в современном стиле; исторические стили не допускались. Главной целью выставки было продвижение французских производителей элитной мебели, фарфора, стекла, изделий из металла, текстиля и других декоративных изделий. Для дальнейшего продвижения продукции все крупные парижские универмаги и ведущие дизайнеры имели собственные павильоны. Выставка также служила для продвижения продукции из французских колоний в Африке и Азии, в том числе слоновой кости и экзотических пород дерева.

Отель «Коллекционер» был популярным местом на выставке; в нем демонстрировалась новая мебель, разработанная Эмилем-Жаком Рульманом, а также ткани в стиле ар-деко, ковры и картина Жана Дюпа «Les Perruches» (Попугайчики).

Дизайн интерьера был основан на тех же принципах симметрии и геометрических форм, которые отличали его от стиля модерн, а также на ярких цветах, искусной работе, редких и дорогих материалах, которые отличали его от строгой функциональности стиля модерн. В то время как большинство павильонов были богато украшены и обставлены роскошной мебелью ручной работы, два павильона – павильон СССР и павильон L’Esprit nouveau, построенный одноименным журналом под руководством Ле Корбюзье, – были построены в строгом стиле с простыми белыми стенами и без украшений. Они были одними из первых образцов модернистской архитектуры.

Ле Корбюзье представил свой «План Вуазен» для Парижа. «План Вуазен», названный в честь пионера авиации Габриэля Вуазена, предполагал строительство серии идентичных небоскребов высотой 200 м и более низких прямоугольных квартир, которые должны были заменить исторические здания на правом берегу Сены в Париже. Архитектор не рассчитывал, что центр Парижа будет снесен для реализации его плана; это был просто способ привлечь внимание к его идеям. Идентичные дома машинного производства, по мнению Ле Корбюзье, были будущим современной архитектуры.

В Париже много зданий в стиле ар-деко. Наиболее известны культовые театры Théâtre des Champs-Élysées, Les Folies Bergère и кинотеатр Le Louxor, универмаги La Samaritaine и Le Printemps Haussmann, дворцы Palais de Chaillot, Palais de la Porte Dorée и Palais de Tokyo, жилой дом Pacquebot Пьера Пату 3 boulevard Victor (15-й аррондисман).

***

Термин «декоративно-прикладное искусство» впервые был использован во Франции в 1858 г. в Бюллетене Французского фотографического общества. В 1868 г. газета «Фигаро» использовала термин «objets d’art décoratifs» для обозначения предметов декораций, созданных для Оперного театра. В 1875 г. французское правительство официально присвоило статус художников дизайнерам мебели, текстильщикам, ювелирам, стеклодувам и другим мастерам. В ответ на это, Королевская бесплатная школа дизайна (École royale gratuite de dessin), основанная в 1766 г. при короле Людовике XVI для обучения художников и ремесленников ремеслам, связанным с изобразительным искусством, была переименована в Национальную школу декоративного искусства. В 1920 г. он получил свое нынешнее название ENSAD (Высшая национальная школа декоративного искусства).

Появление ар-деко было тесно связано с повышением статуса художников-декораторов, которые до конца XIX в. считались просто ремесленниками. Термин «декоративное искусство» был придуман в 1875 г., что дало дизайнерам мебели, текстиля и других предметов интерьера официальный статус. Общество художников-декораторов (Société des artistes décorateurs, SAD) было основано в 1901 г., и художники-декораторы получили те же авторские права, что и живописцы и скульпторы.

Сам термин «ар-деко» появился в печати только в 1966 г. в названии первой современной выставки на эту тему, организованной Музеем декоративного искусства в Париже, «Les années ″25″, Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau, Collections du Musée des arts décoratifs», которая охватывала различные основные стили 1920-х и 1930-х годов. Затем этот термин был использован в газетной статье 1966 г., написанной Хиллари Гелсон для The Times (Лондон, 12 ноября), в которой описывались различные стили на выставке.

Термин «ар-деко» получил широкое распространение в 1968 г., когда историк Бевис Хиллиер опубликовал первую крупную академическую книгу о нем – «Ар-деко 20-х и 30-х годов».

ЖИВОПИСЬ

На выставке 1925 г. не было отдельной секции, посвященной живописи. Живопись в стиле ар-деко по определению была декоративной, предназначенной для украшения комнаты или архитектурного сооружения, поэтому лишь немногие художники работали исключительно в этом стиле, но два художника тесно связаны с ар-деко. Жан Дюпа написал фрески в стиле ар-деко для павильона Бордо на выставке декоративного искусства 1925 г. в Париже, а также картину над камином в экспозиции Maison du Collectionneur на выставке 1925 г., где была представлена мебель Рульмана и других дизайнеров в стиле ар-деко. Его фрески также украшали французский океанский лайнер SS «Нормандия». Его работы были чисто декоративными, создававшими фон или дополнявшими другие элементы декора.

В 1930-х годах в США появилась новая яркая форма живописи в стиле ар-деко. Во время Великой депрессии был создан Федеральный художественный проект Администрации общественных работ, чтобы дать работу безработным художникам. Многим из них было поручено украшать правительственные здания, больницы и школы. В росписях не было какого-то определенного стиля ар-деко; художники, которых привлекали для росписи правительственных зданий, принадлежали к разным школам, от американского регионализма до социалистического реализма. Среди них были Реджинальд Марш, Роквелл Кент и мексиканский художник Диего Ривера. Фрески в стиле ар-деко были декоративными и связаны с деятельностью в здании или городе, где они были написаны: Реджинальд Марш и Роквелл Кент украшали почтовые отделения США и изображали почтовых служащих за работой, а Диего Ривера изобразил рабочих автомобильной фабрики для Детройтского института искусств.

Тамара де ЛЕМПИЦКА

Другой художник, тесно связанный с этим стилем, – Тамара де Лемпицка. Она родилась в Польше и эмигрировала в Париж после революции в России. Она писала портреты в реалистичном, динамичном и красочном стиле ар-деко.

«Польская художница», как ее называют в США, Тамара де Лемпицка (1898-1980) стала главным сторонником стиля ар-деко в Европе и Северной Америке, создавая высококлассные стилизованные, модные портреты знаменитостей и модниц: актеров, светских львиц и аристократов. [Лемпицка – ур. Мария Гурвич-Гурская – была еврейкой и родилась в Варшаве в составе Российской империи; ее отец был русскоговорящим адвокатом.] Она была щедро вознаграждена за свою работу, которая принесла ей известность и признание критиков. Лемпицка активно участвовала в богемной жизни Парижа в 1920-х годах, где она подружилась с Пикассо, а также писателями Андре Жидом и Жаном Кокто. Она была знакома с С. Дали, писала портреты короля Испании Альфонсо XIII, королевы Елизаветы Греческой (сестра короля Румынии Кароля II), великого князя Гавриила (Габриэля) Романова, маркизов и графов. Ее драматическая любовная жизнь часто вызывала комментарии и скандалы.

«Молодая леди в перчатках» (1930) входит в число ее самых известных работ. Эта картина изображает женщину в зеленом платье, в белой шляпе и перчатках, с яркой красной помадой. Резкая линейность, изломанные плоскости зеленой ткани, неглубокий серый фон и резкая игра света и тени на ее лице показывают существенное влияние кубизма на стиль ар-деко, хотя Лемпицка избегает более обширной абстракции этого стиля. Большинство ее работ являются фигуративными, а их смелые цвета и точные, чистые линии являются общими чертами обтекаемого и элегантного стиля ар-деко.

Работа Лемпицки отражает еще одну общую черту стиля ар-деко – изысканную чувственность. На этом портрете шелковое платье молодой женщины облегает контуры ее тела, подчеркивая ее живот и грудь. На самом деле, то, что в то время считалось сексуально провокационным характером этой картины, вызвало споры, когда она впервые была выставлена на Парижском салоне независимых в 1932 г.

Портреты Лемпицкой заслужили высокую оценку критиков и принесли ей значительное состояние. Ее картины искусно передавали роскошь и блеск жизни. Благодаря своему подходу к живописи в стиле ар-деко она могла создавать роскошные, но четкие и аккуратные картины. Картины Лемпицкой считаются самыми выдающимися образцами живописи в стиле ар-деко. Насыщенность ее красок и угловатый стиль – важные элементы стиля. Уникальный стиль Лемпицкой характеризуется четкими, почти раздробленными цветовыми плоскостями, используемыми для передачи черт лица и ткани одежды.

Хосе Серт

Известный испанский художник-монументалист Хосе Мария Серт получил заказ в 1937 г. на создание декоративных изображений для главного вестибюля Рокфеллеровского центра, классики модернистской архитектуры ар-деко, официальное открытие которого было запланировано на 1939 г. Первоначально для создания фресок был выбран Диего Ривера, но он оскорбил семью Рокфеллеров, нарисовав коммунистического революционера Ленина как часть своего проекта для работы «Человек на распутье» (1934), поэтому фреску впоследствии уничтожили, и вместо нее работу предложили Серту.

Работа является примером типичного для ар-деко сочетания классики и contamporary. Картина содержит аллегории и тропы из классической живописи, такие как музы поэзии и танца. Одновременно это также чествование людей и ценностей, которые внесли вклад в современную американскую жизнь, с участием таких исторических личностей, как Авраам Линкольн и Ральф Уолдо Эмерсон. Это утверждение передовых разработок Америки во всех областях искусств и наук, и, как утверждает Клэр Кардинал-Петт, «прославляет технический прогресс и темы способности человека к освоению вселенной» уникальным американским способом. В работе ощутим националистический дух, похожий на другие публичные фрески, созданные в США между двумя мировыми войнами.

Фрески спроектированы так, чтобы функционировать в гармонии с архитектурой комнаты, так что изобразительное искусство и дизайн сливаются довольно плавно, черта, которая стала отчетливо характерной для стиля ар-деко. В этом примере нарисованная фигура Атласа, кажется, поддерживает потолок комнаты, шагая между двумя настоящими опорными колоннами. Тяжелоногие, массивные фигуры, подобные этим, были обычными чертами стиля ар-деко; если ар-нуво подчеркивал чувственную кривизну, то ар-деко, можно сказать, фокусировался на угловатости и, самое большее, на слегка криволинейности. Крепкие, мускулистые тела фигур на фреске Серта напоминают фигуры на потолке Сикстинской капеллы, расписанном Микеланджело, ссылка, которая была очень преднамеренной со стороны художника. Так же, как потолок Сикстинской капеллы так наглядно демонстрировал лучшее из итальянского Возрождения, так и фрески Серта были призваны выразить превосходство американского творчества, производства и инноваций в процветающий период после Первой мировой войны 1920-х и 30-х годов, золотого века в США.

ГРАФИКА

Стиль ар-деко появился в графическом искусстве незадолго до Первой мировой войны. на афишах и в костюмах Леона Бакста для «Русских сезонов» и в каталогах модельера Поля Пуаре. В 1920-х годах внешний вид изменился: мода стала более непринужденной, спортивной и дерзкой, а женщины-модели обычно курили сигареты. Американские модные журналы, такие как Vogue, Vanity Fair и Harper’s Bazaar, быстро подхватили новый стиль и популяризировали его в США. Он также повлиял на творчество американских книжных иллюстраторов, таких как Роквелл Кент. В Германии самым известным художником-плакатистом того времени был Людвиг Хольвейн, создававший красочные и драматичные плакаты для музыкальных фестивалей, пивных и, в конце своей карьеры, для нацистской партии.

В период модерна на афишах обычно рекламировались театральные постановки или кабаре. В 1920-х годах чрезвычайно популярными стали туристические афиши, созданные для пароходных компаний и авиалиний. В 1920-х годах стиль заметно изменился, чтобы привлечь внимание к рекламируемому продукту. Изображения стали более простыми, точными, линейными, динамичными и часто размещались на однотонном фоне.

Во Франции популярными дизайнерами в стиле ар-деко были Шарль Лупо и Поль Колен, прославившийся своими плакатами с американской певицей и танцовщицей Джозефиной Бейкер. Жан Карлу создавал плакаты для фильмов Чарли Чаплина, мыльных опер и театров; в конце 1930-х годов он эмигрировал в США, где во время Второй мировой войны создавал плакаты для поддержки военного производства. Дизайнер Шарль Гесмар прославился своими плакатами для певицы Мистингетт и Air France. Среди самых известных французских дизайнеров плакатов в стиле ар-деко был Кассандр, создавший знаменитый плакат с изображением океанского лайнера SS «Нормандия» в 1935 г.

В 1930-х годах в США во время Великой депрессии появился новый жанр плакатов. Федеральный художественный проект нанял американских художников для создания плакатов, рекламирующих туризм и культурные мероприятия.

Кассандр [Cassandre], псевдоним Адольфа Эдуара Жан Мари Мурона (1901, Харьков, Российская империя – 1968, Париж), был французским графическим дизайнером, художником-плакатистом, театральным декоратором, литографом.

Кассандр наиболее известен своими характерными, элегантными и минималистичными рекламными плакатами, рекламирующими мебель, путешествия и алкоголь. Он также считается одним из пионеров современного графического дизайна, в т. ч. инноваций в дизайне новых шрифтов в стиле ар-деко, некоторые из которых были вдохновлены известными художниками, такими как Пабло Пикассо и Макс Эрнст.
Он в первую очередь известен своими рекламными плакатами для железных дорог, такими как «Полярная звезда», «Напиток Дюбонне», «Лайнер Нормандия», а также типографскими шрифтами 1930-х. Он также нарисовал логотип бренда Yves Saint Laurent в 1961 г.

А. М. Кассандр, один из самых влиятельных художников-плакатистов и графических дизайнеров в стиле ар-деко, создал этот плакат для французского ликёра Pivolo Aperitif в 1924 г. Он получил награду на Международной выставке декоративного и промышленного искусства в Париже.

На этом плакате стилизованная монохромная птица сидит за маленьким стаканом ликёра медового цвета. Несмотря на то, что оба изображения являются реалистичными, они упрощены в манере, схожей с кубистской деконструкцией и реконструкцией: объекты разбиты на базовые, перекрывающиеся геометрические фигуры. Художник использует ограниченную палитру; холодные цвета противопоставлены манящему янтарному оттенку аперитива.

Эрте

Ромен де Тиртофф/Роман Петрович Тыртов (1892-1990), известный под псевдонимом Эрте [Erté] (от французского произношения его инициалов), был французским художником русского происхождения. Он работал в нескольких областях, включая моду, ювелирные изделия, графику, костюмы, декорации для кино, театра и оперы, а также интерьер.

Тиртов родился в Санкт-Петербурге в знатной семье, корни которой уходят в 1548 г., к татарскому хану по имени Тырт. Его отец служил адмиралом в Российском флоте.

В 1915 г. он заключил свой первый крупный контракт с журналом Harper’s Bazaar и тем самым начал блестящую карьеру, которая включала в себя создание костюмов и декораций. В это время Эрте создавал костюмы для Маты Хари. В 1915-37 гг. Эрте создал более 200 обложек для Harper’s Bazaar, а его иллюстрации также появлялись в таких изданиях, как Illustrated London News, Cosmopolitan, Ladies’ Home Journal и Vogue.

Поскольку большинство американцев скорее читали журналы и ходили в кино, чем посещали галереи и музеи, тот факт, что работы Эртэ были так заметны в массовой культуре, способствовал более широкому распространению стиля ар-деко, который в основном оставался прерогативой богатой элиты.

Его костюмы, проекты программ и декорации были представлены в «Безумствах Зигфельда» 1923 г., многих постановках «Фоли-Бержер», «Бал Табарина», «Театра Фемины», «Лидо».

В 1925 г. Луис Б. Майер пригласил Эрте в Голливуд для создания декораций и костюмов для немого фильма «Париж». Тыртов также работал над такими фильмами, как «Бен-Гур», «Мистик», «Время», «Комедиант» и «Танцевальное безумие». Его работы можно найти в коллекциях нескольких известных музеев, в т. ч. Музея Виктории и Альберта, Метрополитен-музея и Художественного музея округа Лос-Анджелес (LACMA); а также значительную коллекцию работ Эртэ можно найти в Музее 1999 в Токио.

Эрте также черпал вдохновение в египетском искусстве, а также в итальянской комедии дель арте, древнегреческой керамике и других разнообразных исторических источниках. Его стиль – более элегантная и изогнутая версия упрощенного ар-деко, своего рода менее прямой отход от более сложных форм и характерных извилистых линий предшествующего стиля ар-нуво.

Ювелирные изделия

В 1920-х и 1930-х годах дизайнеры, в т. ч. Рене Лалик и Картье, пытались уменьшить традиционное доминирование бриллиантов, введя в обиход более яркие драгоценные камни, такие как маленькие изумруды, рубины и сапфиры. Они также уделяли больше внимания очень изысканным и элегантным оправам из менее дорогих материалов, таких как эмаль, стекло, рог и слоновая кость. Сами бриллианты огранялись в менее традиционных формах; на выставке 1925 г. многие бриллианты были огранены в форме крошечных стержней или спичек.

Другие популярные формы огранки в стиле ар-деко:

изумрудная огранка с длинными ступенчатыми гранями;

огранка «ашер», более квадратная, чем «изумруд», с высокой короной и первый запатентованный огранённый бриллиант;

раскрой «маркиза», чтобы создать иллюзию большего размера и объёма;

фигурная резка: небольшие прямоугольные фигурные вырезы, часто используемые для обрамления более крупных камней;

старинная европейская огранка, круглая по форме и ограненная вручную, так что из камня вырываются цветные искры (называемые огнем).

Оправы для бриллиантов тоже изменились: ювелиры всё чаще использовали платину вместо золота, так как она была прочной и гибкой и позволяла закреплять группы камней. Ювелиры также стали использовать более тёмные материалы, такие как эмаль и чёрный оникс, которые лучше контрастировали с бриллиантами.

Украшения стали гораздо более яркими и разнообразными по стилю. Картье и фирма Boucheron сочетали бриллианты с цветными драгоценными камнями, огранёнными в форме листьев, фруктов или цветов, для создания брошей, колец, серёг, заколок и подвесок. Также стали популярны восточные мотивы: нефритовые и коралловые пластины сочетались с платиной и бриллиантами, а шкатулки, портсигары и пудреницы украшались японскими и китайскими пейзажами, выполненными из перламутра, эмали и лака. Картье также сочетал бриллианты с горным хрусталем.

Быстро меняющаяся мода на одежду привела к появлению новых стилей украшений. Платья без рукавов в 1920-х годах требовали украшения рук, и дизайнеры быстро создали браслеты из золота, серебра и платины, инкрустированные лазуритом, ониксом, кораллами и другими яркими камнями. Другие браслеты предназначались для верхней части рук, и часто носили сразу несколько браслетов. Короткие стрижки женщин 1920-х годов требовали изысканных серёжек в стиле ар-деко. Когда женщины начали курить в общественных местах, дизайнеры создали очень изысканные портсигары и мундштуки из слоновой кости. Изобретение наручных часов до Первой мировой войны вдохновило ювелиров на создание необычных, украшенных часов, инкрустированных бриллиантами и покрытых эмалью, золотом и серебром. Часы-подвески, свисающие на ленте, также вошли в моду.

В этот период известные парижские ювелирные дома Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussin и Van Cleef & Arpels создавали украшения и предметы в новом стиле. Фирма Chaumet производила коробки для сигарет, зажигалки, шкатулки и блокноты из твёрдых камней, украшенные нефритом, лазуритом, бриллиантами и сапфирами. К ним присоединились многие молодые дизайнеры, каждый из которых по-своему представлял ар-деко. Раймон Тамплье создавал изделия с очень сложными геометрическими узорами, в том числе серебряные серьги, похожие на небоскребы. Жерару Сандозу было всего 18 лет, когда он начал создавать украшения в 1921 г.; он создал множество знаменитых изделий, вдохновляясь гладким и блестящим видом современной техники. Дизайнер по стеклу Рене Лалик также работал в этой области, создавая подвески в виде фруктов, цветов, лягушек, фей или русалок из скульптурного стекла ярких цветов, которые подвешивались на шёлковых шнурах с кисточками.

Ювелир Пол Брандт использовал прямоугольные и треугольные узоры и встраивал жемчуг в линии на ониксовых пластинах. Жан Деспре создавал ожерелья контрастных цветов, сочетая серебро и черный лак или золото с лазуритом. Многие из его изделий выглядели как отполированные части машин. Жан Дюнан также вдохновлялся современными механизмами, сочетая их с ярко-красными и чёрными цветами, контрастирующими с полированным металлом. Сюзанна Бельперрон создавала скульптурные изделия из таких материалов, как горный хрусталь и полудрагоценные камни, исследуя акцент периода на нетрадиционных элементах. Жан Фуке, находившийся под влиянием кубизма, работал с такими материалами, как эбеновое дерево и хромированная сталь, привнося в украшения в стиле ар-деко ярко выраженный модернистский подход. Среди других известных представителей стиля ар-деко – Бушерон, Лакло и датский ювелир Георг Йенсен, известный своими работами с серебром и менее дорогими драгоценными камнями. Американские ювелирные дома, такие как Tiffany & Co., Black, Starr & Frost и Marcus & Co., также внесли значительный вклад, выпуская изделия, в т. ч. часы и предметы искусства, а также ювелирные украшения.

«Великий Гэтсби»

Роман Ф. Скотта Фицджеральда уже давно считается одним из величайших американских романов, если не самым великим. Автор поэтично описал период процветания 1920-х годов через своих страстных персонажей и придумал выражение «эпоха джаза».

10 мая 2013 г. на экраны в США вышел фильм режиссера База Лурмана «Великий Гэтсби», а вместе с ним и коллекция «Великий Гэтсби» от Tiffany & Co., вдохновленная фильмом и созданная в сотрудничестве с обладательницей премии «Оскар» за костюмы и декорации Кэтрин Мартин.

Эффектные украшения созданы по эскизам из архивов Тиффани и были надеты на звездный состав фильма, включая Леонардо Ди Каприо и Кэри Маллиган, которые сыграли Джея Гэтсби и Дейзи Бьюкенен.

На вечерних приемах ее светлые волосы уложены в прическу «Савой» – головной убор из бриллиантов и культивированного жемчуга, а ее жесты подчеркиваются украшением для руки в виде ромашки и кольцами с бриллиантами в оправе Тиффани. Ромашка также изображена на серьгах Tiffany с желтыми бриллиантами и на броши с длинным стеблем.

Tiffany работала над драгоценностями в течение двух лет – мы создали 10 версий кольца Гэтсби. В результате проекта было создано 20 драгоценностей для главных актеров фильма, в т. ч. Кэри Маллиган и Леонардо Ди Каприо, которые они носили на экране. Затем эти украшения были выставлены в флагманском магазине Tiffany & Co на 5-й авеню.

Центральным элементом является диадема с бриллиантами и жемчугом, которую Дейзи надевает на сказочно роскошную вечеринку Гэтсби. Она излучает всю роскошь и легкомыслие эпохи джаза и, несмотря на свою ценность, выглядит удивительно легко, когда Дейзи танцует чарльстон. Этот предмет был создан по образцу, найденному в архивах Тиффани, с использованием высококачественных бриллиантов и жемчуга.

Два ручных изделия, которые Дейзи носит с головным убором, сегодня нечасто можно увидеть в ювелирных коллекциях. Это гибрид индийских ручных украшений, которые Мартин видела во время своих путешествий, и рисунка из архивов Тиффани, воплощенного в жизнь командой дизайнеров.

Все изделия изготовлены из реальных материалов: цирконий и латунь просто не имеют нужного эффекта. В фильме также представлены старинные вещи из архивов Тиффани, в т. ч. шляпные булавки с бриллиантами, которые носила Джордан.

Жемчужное ожерелье Дейзи описано Скоттом Фицджеральдом в романе как стоящее $350 000 – целое состояние в 1922 г. А Гэтсби носит перстень с печаткой, на центральном камне которого выгравирована ромашка – зашифрованная отсылка к его вечной любви к Дейзи.

Коллекция «Великий Гэтсби» вышла вслед за премьерами фильмов по всему миру, после чего изделия будут проданы тем, кто захочет приобрести украшения, которые они видели на экране.

Бриллиантовая тиара стоит $200 000, вся коллекция в общей сложности стоит $875 000.

В экранизации знаменитого романа Скотта Фицджеральда «Великий Гэтсби» 1974 г. главные роли исполнили Роберт Редфорд, Миа Фэрроу и более пятидесяти оригинальных ювелирных изделий Cartier.

Лалик

Рене Жюль Лалик [Lalique] (1860 – 1945) – французский ювелир и мастер по стеклу. Он прославился своими удивительными украшениями, а также флаконами для духов, вазами, подсвечниками, часами и, в конце своей жизни, пробками для автомобильных радиаторов. Компания, которую он основал, все еще работает.

C 1882 г. он работал фрилансером, создавая украшения для французских ювелиров Cartier, Boucheron и др. В 1885 г. он открыл собственный ювелирный магазин. После 1895 г. Лалик также создавал изделия для парижского магазина Сэмюэля Бинга Maison de l’Art Nouveau, который дал название стилю ар-нуво. Одним из главных покровителей Лалика был Калуст Саркис Гюльбенкян, который за почти 30 лет заказал более 140 его работ.

В 1907 г. Лалик начал сотрудничать с Франсуа Коти в разработке дизайна роскошных флаконов для духов. В конечном итоге он создал сотни различных моделей, многие из которых стали культовыми, для таких компаний, как Guerlain, Houbigant, Worth, Rogeret et Gallet, D’Orsay, Forvil и Worth.

Лалик был наиболее известен своими творениями в области искусства стекла. В 1920-х годах он прославился своими работами в стиле ар-деко. Он отвечал за стены из светлого стекла и элегантные колонны из цветного стекла, которые заполнили столовую и большой салон SS Normandie, а также за внутреннюю отделку церкви Св. Матфея в Миллбруке в Джерси («Стеклянная церковь» Лалика). Как часть стиля ар-нуво, многие из его ювелирных изделий и ваз демонстрируют растения, цветы и плавные линии.

Лалик был первопроходцем в использовании «пасте-де-верр» – древней техники обработки стекла, с помощью которой он придавал измельченному стеклу замысловатые, реалистичные формы как для ювелирных изделий, так и для декоративных предметов.

После окончания Первой мировой войны очень яркие и фантастические украшения Лалика больше не соответствовали требованиям времени. Создатель почувствовал это и решил изменить себя, и уже в 1920 г. обратился к ар-деко. Таким образом, он создал множество предметов, таких как вазы, чашки, подсвечники, флаконы для духов, крышки радиаторов для Citroën мощностью 5 л. с. (1925), украшения поезда «Восточный экспресс» и вагонов-ресторанов Pullman Express (Ницца-Лазурный берег) (1929), интерьер нескольких океанских лайнеров (Иль-де-Франс, Ле-де-Грасс) и украшения столовой лайнера Normandie (1936 г), фонтаны на Елисейских полях.

Как уникальные, так и коммерческие работы Рене Лалика находятся в коллекциях большого количества государственных музеев по всему миру, включая Музей Галуста Гюльбекяна в Лиссабоне, Музей Лалика в Хаконэ в Японии, Музей Лалика [Франция] и Музей декоративного искусства во Франции, Музей Шмукмана в Пфорцхайме в Германии, Музей Виктории и Альберта в Лондоне, Музей Метрополитен в Нью-Йорке и Государственный музей в Амстердаме.

В конце 1920-х – начале 1930-х Лалик также прославился как создатель автомобильных талисманов. Предшественник современных украшений на капоте, автомобильный талисман представлял собой небольшой декоративный элемент, который часто устанавливали на крышку радиатора. Его «Дух ветра» из литого стекла выполнен в стиле ар-деко. Символ скорости, смелый образ талисмана с развевающимися на ветру волосами идеально отражает динамичность эпохи машин.

Крышка радиатора, или маскот (талисман), – это форма автомобильной крышки радиатора с художественным талисманом, символическим, аллегорическим, декоративным или талисманом на удачу некоторых престижных брендов в истории автомобилестроения, в образе носовых фигур кораблей. С тех пор, как исчезли видимые радиаторы, он помещается на капот, над предполагаемым местом расположения радиатора.

В целом он художественно и аллегорически символизирует фирменный стиль автомобиля, часто повторяя его логотип, а иногда показывает температуру воды в радиаторе с помощью термометра.

Например, на крышке радиатора автомобилей марки Peugeot изображен угрожающий лев на скале, а затем голова льва с открытой пастью на четырех клыках, со временем изменившаяся во многих формах. Безудержный лев – геральдическая эмблема Франш-Конте, где у Peugeot были свои первые заводы. А крышка радиатора марки Jaguar, как и следовало ожидать, представляет собой прыгающий ягуар. На крышке радиатора первых автомобилей марки Chrysler в 1920-х годах могла быть изображена либо печать с лентой, либо два крыла.

[Пожалуй, самой известной из них является статуэтка Spirit of Ecstasy («Дух экстаза»), эмблема автомобилей Rolls-Royce 1911 г. выпуска, которая иногда изготавливается из серебра или даже золота. С 2004 г. модели бренда оснащены системой, позволяющей убирать статуэтку, например, во время парковки, в целях безопасности и защиты от кражи.]

Скульптура

Скульптура была очень распространенным и неотъемлемым элементом архитектуры ар-деко. Во Франции аллегорические барельефы, изображающие танец и музыку, работы Антуана Бурделя украшали самую раннюю достопримечательность ар-деко в Париже, Театр на Елисейских полях, в 1912 г.

В США выдающимся скульптором в стиле ар-деко, работавшим в области общественного искусства, был Пол Мэншип, который переосмыслил классические и мифологические сюжеты и темы в стиле ар-деко. Его самой известной работой была статуя Прометея в Рокфеллер-центре в Нью-Йорке – адаптация классического сюжета в стиле XX в. Другие важные работы для Рокфеллер-центра были созданы Ли Лори, в т. ч. скульптурный фасад и статуя Атласа.

Во время Великой депрессии в США многим скульпторам было поручено создать работы для украшения зданий федерального правительства на средства, выделенные Администрацией общественных работ WPA. Среди них был скульптор Сидни Билер Во, который создал стилизованные и идеализированные изображения рабочих и их задач для офисных зданий федерального правительства. В Сан-Франциско Ральф Стэкпол создал скульптуру для фасада нового здания фондовой биржи Сан-Франциско. В Вашингтоне Майкл Ланц создал работы для здания Федеральной торговой комиссии.

В Великобритании общественные скульптуры в стиле ар-деко были созданы Эриком Гиллом для телецентра Би-би-си, а Рональд Аткинсон украсил вестибюль бывшего здания Daily Express в Лондоне.

Одной из самых известных и, безусловно, самых больших общественных скульптур в стиле ар-деко является «Христос-Искупитель» французского скульптора Поля Ландовски, созданная в период с 1922 по 1931 г. и расположенная на вершине горы Корковаду с видом на Рио-де-Жанейро в Бразилии.

Студийная скульптура

Многие ранние скульптуры в стиле ар-деко были небольшими, предназначенными для украшения салонов. Один из жанров этой скульптуры назывался Хризелефантиновая статуэтка, названная в честь стиля древнегреческих храмовых статуй из золота и слоновой кости. Иногда они делались из бронзы, а иногда из гораздо более роскошных материалов, таких как слоновая кость, оникс, алебастр и сусальное золото.

Одним из самых известных скульпторов-салонов в стиле ар-деко был уроженец Румынии Деметр Чипарус, создававший красочные небольшие скульптуры танцоров. Среди других известных скульпторов-салонов были Фердинанд Прейсс, Йозеф Лоренцль, Александр Келети, Доротея Шароль и Густав Шмидткассель. Еще одним важным американским скульптором, работавшим в студийном формате, была Гарриет Уитни Фришмут, которая училась у Огюста Родена в Париже.

Пьер Ле Фагуэ был выдающимся скульптором в стиле ар-деко, чьи работы были представлены на выставке 1925 г. Он работал с бронзой, мрамором, слоновой костью, ониксом, золотом, алебастром и другими драгоценными материалами.

Франсуа Помпон был пионером современной стилизованной анималистической скульптуры. Он не был полностью признан за свои художественные достижения до 67 лет, когда на Осеннем салоне 1922 г. была представлена его работа «Белый медведь», также известная как «Ours blanc», которая сейчас находится в Музее Орсе в Париже.

Параллельно с этими скульпторами в стиле ар-деко в Париже и Нью-Йорке работали более авангардные и абстрактные модернистские скульпторы. Самыми известными из них были Константин Бранкузи, Джозеф Чаки, Александр Архипенко, Анри Лоран, Жак Липшиц, Гюстав Миклош, Жан Ламбер-Руки, Ян и Жоэль Мартель, Хана Орлофф и Пабло Гаргалло.

SS Normandie

«Нормандия» была французским океанским лайнером, построенным для французской компании Compagnie Générale Transatlantique (CGT). Он вступил в строй в 1935 г. как самый большой и быстрый пассажирский корабль на плаву, пересекший Атлантику за рекордные 4,14 дня. Корабль остается самым мощным паровым турбоэлектрическим пассажирским судном из когда-либо построенных в мире.

«Нормандия» совершила свой первый рейс 29 мая 1935 г. В Гавре она приняла на борт 812 пассажиров: 467 пассажиров первого класса, 244 пассажира туристического класса и 101 пассажира третьего класса.

«Нормандия» благодаря своему новаторскому дизайну и роскошным интерьерам считалась многими величайшим из океанских лайнеров. Несмотря на это, она не имела коммерческого успеха и частично зависела от государственных субсидий. Во время службы в качестве флагманского судна CGT она совершила 139 трансатлантических переходов из порта приписки Гавр в Нью-Йорк. Лайнер RMS Queen Mary был ее главным соперником.

Во время Второй мировой войны «Нормандия» была захвачена властями США в Нью-Йорке и переименована в USS «Лафайет». В 1942 г., когда лайнер переоборудовали в военный транспорт, он загорелся, перевернулся на левый борт и наполовину погрузился в воду на дне реки Гудзон. В октябре 1946 г. он был списан.

В создании лайнера выдающуюся роль сыграл Владимир Юркевич, бывший корабельный архитектор Императорского военно-морского флота России, эмигрировавший во Францию после революции 1917 г.

CGT заказала художникам создание плакатов и рекламы для лайнера. Один из самых известных плакатов был написан Адольфом Муроном Кассандром, еще одним русским эмигрантом во Францию.

«Нормандия» обошлась в значительную сумму. К моменту своего первого рейса она стоила 812 млн фр., что на тот момент равнялось $53,5 млн (эквивалентно $1226,99 млн в 2024 г.).
Большая часть общественных помещений была отведена для пассажиров первого класса, включая столовую, салон первого класса, гриль-бар, бассейн первого класса, театр и зимний сад. Роскошные интерьеры Normandie были выполнены в стиле арт-деко архитектором Пьером Пату, одним из основоположников стиля арт-деко. Интерьеры были наполнены великолепными видами, впечатляющими входами и длинными широкими лестницами. В номерах первого класса были уникальные интерьеры, созданные избранными дизайнерами.

Столовая в «Нормандии», украшенная стеклом Lalique и сравнимая с Зеркальным залом в Версале, была самым большим помещением на корабле. При длине 93 м (305 футов) она была длиннее, чем Зеркальный зал в Версальском дворце, шириной 14 м (46 футов) и высотой 8,5 м (28 футов). В зале могли разместиться 700 человек за 157 столами. Поскольку естественный свет не мог проникать внутрь, его освещали двенадцать высоких колонн из стекла Lalique, обрамлённых 38 такими же колоннами вдоль стен. Благодаря этим колоннам и люстрам, висевшим в каждом конце зала, «Нормандия» получила прозвище «Корабль света» (как Париж – «Город света»).

Фрески для Большого салона, завершенные в 1935 г., были выполнены на гигантских стеклянных панелях в технике «эгломизе» [verre églomisé] и стали результатом сотрудничества Дюпа и стекольщика Жака-Шарля Шампиньоля (1882–1964). На четырех картинах были изображены «Колесница Посейдона», «Морская нимфа Фетида», «Рождение Венеры» и «Похищение Европы» (каждая высотой 21 фут и шириной 49 футов). Пятая панель, включающая раздвижную дверь, была украшена лакированными панелями Жана Дюнана, также созданными по эскизам Дюпа, с изображениями «Колесницы Рассвета» и «Колесницы Ночи», а также «Четырех ветров». Фрески, выполненные из расписных и гравированных стеклянных панелей с рисунком, выгравированным и нарисованным на обратной стороне, выглядели как трехмерные рельефы. Каждая композиция состояла из мозаики из десятков стеклянных панелей, скрепленных бронзовыми скобами по углам.

Стеклянные рельефы Дюпа, позолоченные, посеребренные и расписанные с обратной стороны стекольщиком Шампиньолем золотыми, серебряными, платиновыми и палладиевыми красками, стали изюминкой Большого зала.

Фреска «Колесница Посейдона» хранится в коллекции Музея искусств Метрополитен в Нью-Йорке, где также находится подготовительный рисунок меньшего размера для этой композиции.

Предметы из «Нормандии» были проданы на нескольких аукционах после кончины корабля, и сегодня многие из них считаются ценными сокровищами в стиле ар-деко. Среди спасенных предметов – десять больших дверных медальонов и фурнитуры для столовой, а также некоторые из стеклянных панелей Жана Дюпа, которые образовывали большие фрески, размещенные по четырем углам ее Большого салона. Медальоны на дверях столовой теперь находятся на внешних дверях Маронитского собора Богоматери Ливанской в Бруклине.

Также сохранилось несколько образцов из 24 000 кусочков хрусталя, некоторые из массивных украшений Lalique torchères, украшавших ее обеденный салон. Также сохранились некоторые столовые приборы, стулья и позолоченные бронзовые подставки для столов. Изготовленная на заказ мебель для люксов и кают, а также оригинальные произведения искусства и статуи, которые украшали корабль или были построены для использования CGT на борту Normandie, также сохранились до наших дней.

Бронзовая фигура женщины высотой 2,4 м (8 футов) и весом 450 кг (1000 фунтов), названная «Нормандия», которая находилась на вершине парадной лестницы, ведущей из курительной комнаты первого класса в гриль-бар, была найдена на свалке в Нью-Джерси в 1954 г. и приобретена для нового на тот момент отеля «Фонтенбло» в Майами-Бич, штат Флорида.

Ар-деко в Нью-Йорке

Архитектура в стиле ар-деко процветала в Нью-Йорке в 1920-х и 1930-х годах. Этот стиль порвал со многими традиционными архитектурными канонами и характеризовался вертикальностью, орнаментами и использованием таких строительных материалов, как пластик, металл и терракота. Ар-деко можно увидеть в правительственных зданиях, коммерческих проектах и жилых домах во всех пяти районах.

Здания отличаются эффектной металлической отделкой, полихромной терракотовой плиткой и зигзагообразной кирпичной кладкой.

Бурно развивающаяся экономика «ревущих двадцатых» и коммерческие спекуляции способствовали строительному буму в масштабах всего города. Размеры и изысканность зданий в стиле ар-деко варьировались от высоких небоскрёбов до скромных жилых домов для среднего класса и муниципальных зданий. Красочные, богато украшенные небоскребы доминировали на горизонте Манхэттена до того, как Великая депрессия положила конец их строительству. После Депрессии, в 1930-х годах, стиль стал более сдержанным и популярным в инфраструктурных проектах и современных квартирах среднего класса во внешних районах.

Затишье в строительстве во время Второй мировой войны и расцвет интернационального стиля привели к тому, что в городе перестали строить в стиле ар-деко. После того как ар-деко в городе вышел из моды и был заброшен во время экономического спада в городе во второй половине XX в., его стали ценить заново.

Среди самых ценных и узнаваемых небоскребов Нью-Йорка – здания в стиле ар-деко Эмпайр-стейт и Крайслер. Небоскребы в стиле ар-деко на протяжении десятилетий формировали облик города и повлияли на современное строительство. Многие из этих зданий находятся под защитой законов о сохранении исторического наследия, в то время как другие были утрачены из-за новой застройки или небрежного отношения.

Стиль ар-деко вошёл в моду как раз в то время, когда Нью-Йорк стремительно преображался. Растущее население, процветающая экономика, дешёвые кредиты и слабое зонирование в совокупности способствовали строительному буму. Рынок недвижимости был настолько оживлённым, что здания, простоявшие всего несколько лет, регулярно сносили, чтобы построить на их месте что-то новое. Новые, более крупные здания заменяли несколько небольших построек на старых участках. Количество офисных помещений в Нью-Йорке увеличилось на 92% в конце 1920-х годов.

Одним из первых небоскребов в стиле ар-деко было здание Нью-Йоркской телефонной компании, построенное в 1923-27 гг. по проекту Ральфа Томаса Уокера. Его здания, которые позже назовут «ар-деко», имели общие элементы. Архитекторы Нью-Йорка были в авангарде использования новых материалов, в т. ч. синтетических, таких как бакелит и пластик Formica, а также Nirosta – сплава нержавеющей стали, который сделал использование металла на фасадах небоскребов более возможным. Там, где нержавеющая сталь была слишком дорогой, алюминий, цена на который снижалась, а вес уменьшался, стал популярным выбором для внутреннего и внешнего использования. Другими излюбленными материалами были разноцветная терракота, известняк и стеклянный кирпич. Даже когда использовались традиционные строительные материалы – мрамор, дерево, кирпич, бронза, – они сочетались новыми способами, призванными шокировать и восхищать.

Самый заметный элемент ар-деко – «роскошный орнамент». Самые динамичные элементы располагались у входов и на крышах зданий, а несколько материалов, объединенных в ослепительные цвета или насыщенные текстуры, создавали эффектные сочетания.

Здания в стиле ар-деко в городе также были богато украшены внутри и снаружи рельефами, мозаиками, фресками и другими произведениями искусства. Аллегорические изображения, такие как ульи промышленности на здании «Френч», олицетворения добродетелей в Рокфеллер-центре или фигуры, изображающие промышленность и искусство в здании «Интернешнл Мэгэзин», были распространенными декоративными элементами.

Мудрость»

Мне однозначно заметно масонское влияние: циркуль всегда в руках Великого Архитектора Вселенной. Искусствоведы отмечают, что фриз создан под влиянием Блейка.

Фриз иллюстрирует слова «И мудрость и знание будут основанием твоего времени…» (Исайя 33:6). В старой брошюре Рокфеллер-центра без даты, предположительно изданной в 1930-х годах, есть комментарий: «Центральная фигура этой работы представляет собой гения, который объясняет человечеству законы и циклы космических сил Вселенной и, таким образом, управляет всеми видами человеческой деятельности. Справа от центральной панели изображён Свет, а слева – Звук – две из этих космических сил. Компас гения отмечает на стеклянном экране внизу циклы Света и Звука. Хотя во Вселенной есть и другие космические силы, мистер Лори выбрал свет и звук, потому что они являются активной и жизненно важной частью повседневной жизни, и особенно потому, что в наше время с их помощью были сделаны великие открытия, а технические знания человека о законах этих двух сил значительно расширились».

Официальное название скульптурной группы – «Мудрость, голос из облаков, со светом и звуком». Мудрость, изображенная в виде обнаженного мужчины с длинной развевающейся бородой, измеряет, различает, обуздывает, создает. В правой руке он держит циркуль, чтобы начертить круг, а левой отталкивает облака невежества. Он олицетворяет накопленные человечеством философские и научные знания и творческую силу. Мужчина и женщина по обе стороны от него «символизируют появление радио (звук) и киноиндустрии, а также телевидения (свет) – двух отраслей, которые приобрели глобальное значение во время строительства Центра», – говорится на сайте Рокфеллер-центра. Из уст Звука исходят круги, а из поднятых рук Света – электрические сигналы.

Входы и вестибюли этих небоскребов часто создавались под прямым влиянием расписных декораций и сцен театров, с обрамлением в виде висячих занавесов. Сложная ковка сочеталась с декоративным матовым или травленым стеклом.

Стиль ар-деко в Нью-Йорке стал неразрывно связан с коммерческой архитектурой. Его акцент на богатом орнаменте привлекал коммерческих заказчиков.

Внешний вид зданий часто перекликался с веденным там бизнесом; волновые мотивы здания RCA Victor символизируют мощь радио, в то время как в Chrysler Building были декоративные элементы в виде радиаторов и колпаков, представляющих автомобильную компанию. Здание McGraw-Hill [крупное издательство научно-популярной литературы], Отель New Yorker и Здание Daily News имеют свои названия на видных вывесках или встроены в фасад.

В финансовом районе и центре Манхэттена линия горизонта быстро изменилась из-за распространения высотных зданий в стиле ар-деко. Здание Нью-Йоркской телефонной компании было украшено мотивами, заимствованными из ацтекской культуры, а в вестибюле был сводчатый потолок с фресками, рассказывающими об истории связи. Другие известные небоскребы в стиле ар-деко в центре города включают здание компании Irving Trust (1929-31), спроектированное с «занавесом» снаружи и мозаикой, изготовленной Хилдрет Мейер в интерьере; Уолл-стрит (1929-30), с формой для свадебного торта и основанием из красного гранита и известняка; и здание Городского банка Farmers Trust (1930-31), с абстрактными головами вдоль фасада, смотрящими вниз, на уровень улицы, и бронзовыми дверями, изображающими способы передвижения. Последним небоскребом, построенным в Финансовом районе до Второй мировой войны, был 70-этажный дом на Пайн-стрит, завершенный в 1932 г. В нем были уникальные двухэтажные лифты, обслуживающие два вестибюля.

По сравнению с деловым центром, Мидтаун Манхэттена только начинал застраиваться в стиле ар-деко. Его деловой район процветал после строительства Центрального вокзала и переноса железнодорожных путей под землю, что открыло новые участки для застройки. 42-я улица стала главной улицей Мидтауна в стиле ар-деко, на которой расположены одни из самых известных небоскребов города. Одним из первых было здание Чанина (1927-29), штаб-квартира строительной компании Чанина.

Архитекторы Нью-Йорка участвовали в ожесточенной гонке за звание самого высокого здания в мире, и несколько зданий в стиле ар-деко претендовали на это звание. К концу 1930 г. более 11 зданий имели более 60 этажей; среди них были Крайслер-билдинг и Эмпайр-стейт-билдинг, высота которых увеличилась по сравнению с первоначальными проектами. Соревнуясь с 40-этажным зданием на Уолл-стрит за звание самого высокого здания, архитектор Уильям Ван Ален тайно построил 185-футовый (56-метровый) стальной шпиль Крайслер-билдинг внутри самого здания, подняв его и закрепив на месте за один день, и завоевал звание самого высокого здания. Триумф был недолгим: месяц спустя бывший губернатор и бизнесмен Эл Смит обновил проект Эмпайр-стейт-билдинг, добавив еще несколько этажей и 200-футовый шпиль.

Шпиль Крайслер-билдинг был возведен всего за день до краха на Уолл-стрит в октябре 1929 г., который привел к экономическим потрясениям, вызвавшим Великую депрессию. Непосредственным последствием депрессии стало сокращение строительства всех видов зданий: одна архитектурная фирма в 1929 г. подала 17 проектов зданий высотой до 30 этажей, а в 1930 г. – всего три проекта, самый высокий из которых был четырехэтажным. Масштабы некоторых существующих построек также были сокращены: компания Metropolitan Life намеревалась построить самое высокое здание Metropolitan Life North Building, но строительство остановилось во время экономического спада и так и не возобновилось, оставив от него «огромный обрубок» в 31 этаж вместо запланированных ста. В тени надвигающейся Великой депрессии Метрополитен-опера отказалась от планов переезда в новый комплекс из трех зданий, финансируемый Джоном Д. Рокфеллером-младшим. Рокфеллер решил продолжить строительство Рокфеллер-центра, наняв три разные архитектурные фирмы. Архитекторы разработали план зданий, расположенных по нескольким осям и облицованных одинаковыми материалами. В центре находилась площадь Рокфеллера, Рокфеллеры выделили $150 000 ($2 823 000 с учетом инфляции) только на искусство на площади, заполнив пространство картинами, рельефами и скульптурными формами. Декоративные элементы посвящены достижениям человечества, мифологии и историям об образовании и торговле.

Расцвет небоскребов в стиле ар-деко фактически закончился Великой депрессией, но ар-деко распространилось по всему городу во множестве форм. Ар-деко стало популярным стилем для растущего числа современных коммерческих зданий, которые появились в тот период, – универмагов, газетных киосков и транспортных предприятий.

Арт-деко был популярным выбором для кинотеатров.

По мере того как город развивался в северном направлении, самые престижные универмаги и розничные магазины Манхэттена переместились в Мидтаун. На Пятой авеню строительство Эмпайр-стейт-билдинг и других зданий в стиле ар-деко совпало с превращением улицы из «миллионерской мили» с богатыми резиденциями в коммерческий центр для среднего класса. Флагманский магазин Tiffany & Co. на Пятой авеню, 727, построенный в 1940 г., был спроектирован с учетом роскошных удобств, включая центральное кондиционирование воздуха. Снаружи здание украшено оконными рамами из нержавеющей стали в сочетании с мрамором и известняком, что должно было связать его с классической архитектурой. В 1930 г. Bloomingdale’s на 59-й улице расширился и занял целый городской квартал. Новое здание с черно-золотым фасадом украшено декоративными металлическими решетками. Среди других известных универмагов в стиле ар-деко в городе – универмаг Sears Roebuck & Company в Флэтбуше, Бруклин и универмаг Montgomery Ward в Ямайке, Квинс.

Другие крупные коммерческие здания в стиле ар-деко в городе включали ряд отелей, в т. ч. Waldorf Astoria. Первоначальное здание с таким названием было снесено, чтобы освободить место для Эмпайр-стейт-билдинг, и новое здание, спроектированное скорее как небоскреб, чем как традиционный отель, оказало на него влияние. Архитекторы Schultz & Weaver спроектировали башни-близнецы из известняка и кирпича, а также апартаменты для президента и частную железнодорожную ветку от Центрального вокзала. Апарт-отели процветали в этот период как способ наслаждаться роскошной жизнью, не тратясь на содержание частного дома. Эссекс-хаус на момент постройки был одним из крупнейших апарт-отелей в городе. Над главным входом возвышаются позолоченные мотивы замерзших фонтанов и цветочные узоры. В верхней части города отель «Карлайл» объединил два здания (одно из них – многоквартирный дом, другое – отель) и испытал влияние Вестминстерского собора, хотя и с современными элементами ар-деко; фасад украшен бежевыми терракотовыми полосами с геометрическими V-образными и растительными формами.

***

20% всего нового жилья, построенного в США за 1920-е, было построено в Нью-Йорке. Количество многоквартирных домов выросло с 39% в 1919 г. до 77% в 1926 г. Застройщики начали возводить многоквартирные дома, ориентируясь на средний класс. Подавляющее большинство этих новых квартир в разных районах были шестиэтажными, потому что для строительства семиэтажных и более высоких зданий требовались более дорогие огнеупорные материалы.

На Манхэттене по всему району появились квартиры в стиле ар-деко.

В другой части города одними из первых крупных многоквартирных домов, на которые оказали влияние офисные здания в стиле ар-деко и небоскребы в центре города, были здания-близнецы The Majestic и The Century. Вместе с The El Dorado, спроектированным компанией Margon & Holder совместно с Эмери Ротом, эти многоквартирные дома с двумя башнями изменили облик Центрального парка на западе.

В Бруклине в 1920-х и 1930-х годах квартиры и дома заполнили ранее малонаселённые земли от конечной морены острова до южного берега. Квартиры и коммерческие здания в стиле ар-деко изменили характер новых или развивающихся районов.

В Брайтон-Бич старые отели и ипподромы уступили место квартирам в стиле ар-деко, в т. ч. 711 Brightwater Court (1934), украшенным яркой терракотой с изображениями джунглей и геометрическими узорами.

Самая плотная концентрация зданий в стиле ар-деко в Нью-Йорке находится в западном Бронксе, вдоль Гранд-Конкорс, где в период с 1935 по 1941 год было построено около 300 зданий. По сравнению со знаменитыми архитекторами Манхэттена, которые часто учились в престижных школах, многие архитекторы стиля ар-деко во внешних районах были евреями, учились в местных художественных школах и были забыты через поколение.

***

Современное движение за сохранение исторического наследия в Нью-Йорке зародилось в 1960-х годах. К 1974 г. ни одно здание в стиле ар-деко не было внесено в список памятников архитектуры. Одними из первых зданий в стиле ар-деко, внесенных в список охраняемых, стали Крайслер-билдинг и Чанин-билдинг в 1978 г. Некоторые владельцы зданий боролись за то, чтобы их не признавали памятниками архитектуры. [Это делалось из коммерческих побуждений: памятник нельзя снести, а значит нельзя построить на дорогой земле что-то подороже.] Компания General Electric успешно боролась за то, чтобы здание RCA Victory не признавали памятником архитектуры, а интерьеры Radio City Music Hall были признаны памятниками архитектуры только после ожесточённой борьбы с владельцами Music Hall, которые хотели его снести. Комиссия по памятникам архитектуры получила более 100 000 подписей в поддержку признания здания памятником архитектуры.

Некоторые здания в стиле ар-деко были снесены до того, как их признали подлежащими охране. Например, Дональд Трамп в 1980 г. снес 12-этажное здание Bonwit Teller на Пятой авеню и 57-й улице; известняковые барельефы, которые Трамп обещал передать Метрополитен-музею, были разрушены отбойным молотком.

Чтобы избежать статуса памятника архитектуры, землевладельцы иногда спешат снести здание или испортить фасад. Учитывая, что интерьеры и экстерьеры зданий охраняются отдельно, даже здания, внесённые в список памятников архитектуры, могут лишиться своих уникальных особенностей в стиле ар-деко, как, например, здание МакГроу-Хилл, уникальный вестибюль которого из металла и эмали был уничтожен во время реконструкции в 2021 г.

В Нью-Йорке Общество ар-деко Нью-Йорка (ADSNY) проводит лекции и экскурсии по архитектуре города, а также выступает за сохранение сохранившихся в городе зданий в стиле ар-деко.

Рокфеллер-центр

Rockefeller Center – это комплекс из 19 коммерческих зданий, занимающих 22 акра (8,9 га) между 48-й и 51-й улицами в районе Мидтаун на Манхэттене в Нью-Йорке. 14 оригинальных зданий в стиле ар-деко, построенных по заказу семьи Рокфеллеров, охватывают территорию между Пятой и Шестой авеню, разделенную большой утопленной площадью и частной улицей под названием Rockefeller Plaza. Более поздние дополнения включают 75 Rockefeller Plaza через 51-ю улицу в северном конце Rockefeller Plaza и четыре здания в международном стиле на западной стороне Sixth Avenue.

Строительство Рокфеллер-центра началось в 1931 г., а первые здания открылись в 1933 г. Ядро комплекса было завершено к 1939 г. Описанный как один из величайших проектов эпохи Великой депрессии, Рокфеллер-центр стал достопримечательностью Нью-Йорка в 1985 г. и Национальным историческим памятником в 1987 г. Комплекс и прилегающая к нему земля контролируются с 2000 г. Tishman Speyer, который купил собственность за $1,85 млрд.

Комплекс известен большим количеством произведений искусства, присутствующих почти во всех его зданиях, своим обширным подземным вестибюлем, своим ледовым катком и ежегодной иллюминацией рождественской елки Рокфеллеровского центра.

Новая улица, проходящая через комплекс, Рокфеллер Плаза, была построена поэтапно в период с 1933 г. по 1937 г. Знаменитая рождественская елка в центре площади была впервые установлена в декабре 1933 г., а статуя Прометея была установлена в мае 1934 г.

36-этажное здание Time & Life Building, названное в честь якорного арендатора Time Inc., было построено в ноябре 1936 г., заменив пустующий участок в южном квартале, который использовался для парковки автомобилей. К 1937 г. было построено одиннадцать зданий общей стоимостью более $100 млн. Здание для Associated Press на пустыре северного квартала, которое было зарезервировано для театра Метрополитен-опера, было достроено к июню 1938 г.

В строительстве комплекса было задействовано от 40 000 до 60 000 человек. Этот комплекс был крупнейшим частным строительным проектом, когда-либо реализованным в наше время. К осени 1939 г. в комплексе было 26 000 арендаторов и 125 000 посетителей в день. В тот год 1,3 млн человек отправились на экскурсию по Рокфеллер-центру или посетили смотровую площадку RCA Building, 6 миллионов человек посетили подземный торговый центр, а 7 млн посмотрели представление в Рокфеллер-центре.

Во время войны комната 3603 в здании RCA стала основным местом проведения в США операций британской разведки по координации британской безопасности, организованной Уильям Стефенсон. Он также служил в качестве офиса Аллена Даллеса, который впоследствии возглавил Центральное разведывательное управление.

В ноябре 1931 г. Джон Тодд предложил создать программу размещения уникальных произведений искусства в каждом из зданий. Хартли Бёрр Александер, известный профессор мифологии и символогии, получил задание спроектировать художественные инсталляции для комплекса. Александер представил свой план размещения произведений искусства в декабре 1932 г. Согласно предложению, в комплексе должны были быть различные скульптуры, статуи, фрески, фризы, декоративные фонтаны и мозаики. В дополнение к плану Худа с садом на заднем плане, предложение Александра также включало сады на крышах всех зданий, которые при взгляде сверху создавали бы «вавилонский сад».

Сначала Александр предложил «Homo Fabor, Человек-строитель» в качестве общей темы комплекса, символизирующей удовлетворение от своей работы, а не от зарплаты. Однако эта тема не особенно понравилась архитекторам, поэтому Александр предложил другую тему – «Новые рубежи». Эта тема была связана с социальными и научными инновациями и представляла собой проблемы, с которыми столкнулось человечество «после покорения физического мира». Теоретически эта тема считалась подходящей, но Александр настолько подробно описал необходимые произведения искусства, что это ограничило творческую свободу художников, которым были заказаны такие работы, поэтому его уволили. Потребовалось несколько попыток, чтобы договориться о текущей теме «Марш цивилизации», и к тому моменту некоторые работы уже были заказаны, в том числе те, которые предложил Александр.

Искусство, которое в настоящее время существует в Рокфеллер–центре, было вдохновлено художественной программой профессора Александера. Скульптор Ли Лори создал наибольшее количество отдельных произведений – двенадцать, включая статую Атласа, обращенную к Пятой авеню, и бросающиеся в глаза фризы Мудрости над главным входом на Рокфеллер-плаза, 30.

Барельеф Исаму Ногучи из блестящей нержавеющей стали, News над главным входом в Рокфеллер Плаза, 50 (здание Associated Press) на момент ввода в эксплуатацию был крупнейшим металлическим барельефом в мире. В вестибюле из здания Eastern Airlines (сегодня Рокфеллер Плаза, 10) есть фреска «История транспорта».

Архитектор Radio City Music Hall Дональд Дески заказал многим художникам эпохи Депрессии работы по дизайну интерьера зала, включая фреску Стюарта Дэвиса 1932 г. «Мужчины без женщин», названную в честь сборника рассказов Эрнеста Хемингуэя, который был опубликован в том же году. Одной из наиболее противоречивых работ центра был «Человек на перекрестке» Диего Риверы.

---

Мстислав КНЯЗЕВ,
писатель, журналист.
Москва.
Для “RA NY”